Kaypllje, director artístico: “Si no te importa cómo presentas visualmente tu música, no puedes llamarte artista”

Keanu Milborrow, alias Kaypllje, es un artista reconocido por su arte visual novedoso y texturado, particularmente enfocado en portadas de álbumes o material promocional para músicos. Su concepción de la estética en la industria musical permite al público conectarse emocionalmente con cualquier obra. En un mundo musical cada vez más digitalizado y amenazado por la utilización de la IA, considera que los artistas visuales siempre tendrán su lugar.

¿Cómo abordas el comienzo de un proyecto? ¿Cuál es tu punto de partida al crear arte visual para un álbum como La Espalda del Sol de Diego 900?

En el caso de La Espalda Del Sol y su arte, Diego tenía una intención muy clara: que el arte visual transmitiera el mismo sentimiento que el sonido de la música. Quería que la música no solo existiera en su propio entorno, sino que fuera el entorno. A partir de ahí, supe hacia dónde quería llevar el diseño. Mi enfoque personal para comenzar el proceso de diseño de arte varía cada vez, pero siempre empiezo encontrando un terreno común en cuanto a la dirección creativa. Siempre tengo un nivel de control creativo completo.  

Además, fue la primera vez que trabajé con un artista español, tenía que sentirse auténtico. Extraje una gran parte de mi inspiración de la belleza escondida en los rincones de España, de la historia de donde es Diego, del arte de la tierra y de los paralelismos religiosos en ella. Hay mucho simbolismo que se puede extraer del Sagrado Corazón, el atardecer y el amanecer. Al final, el resultado reflejaba exactamente cómo la música existiría visualmente.

¿Tienes alguna fuente de inspiración? ¿Hay artistas, pintores o movimientos específicos que hayan influido en tu trabajo? 

Definitivamente. Siempre encuentro algo que apreciar, incluso en las cosas que no me gustan. Creo que la mayoría de lo que hago siempre está influido, inconscientemente, por algo, ya sea otro artista, música, un estilo de diseño específico de cierta época, un entorno o hasta algunos letreros callejeros.

Tengo una formación en grafiti y esa es igualmente una fuente de inspiración a la que siempre puedo recurrir sin pensar demasiado. Aparte de eso, encuentro mucha inspiración y refugio en el trabajo de Credo Mutwa, Faith47, Lady Skollie, Wes Lang, Futura2000 y Henry Taylor. Siempre puedo regresar a su obra y permitirme admirar lo que han hecho como un fanático. Sin embargo, soy muy cuidadoso de no dejar que demasiada inspiración interfiera con mi proceso creativo, porque eso suele suceder mucho.

“Tengo una formación en grafiti, y esa es una fuente de inspiración a la que siempre puedo recurrir sin pensar demasiado.”

Tus diseños a menudo tienen un efecto similar a la pintura al óleo. ¿Hay alguna razón detrás de esta elección? 

Estoy convencido de que la textura es un elemento esencial tanto en la música, donde suele usársela para describir el objetivo de un sonido, como en el arte culinario, en la que puede determinar por completo la experiencia del comensal. Aunque la mayoría raramente se preocupa, esforzarse para lograr una sensación específica significa que te importa crear una experiencia sensorial completa, especialmente en la era digital. Mi trabajo tiene textura, la gente la siente al mirarlo a través de una pantalla; pueden imaginarla, pero nadie ha sentido físicamente mi trabajo excepto yo, y eso me parece muy interesante.

 Foto: Portada de La Espalda del Sol, cuarto LP de Diego 900, visual realizado por @kaypllje

Al ilustrar en tu obra rostros distorsionados, entornos surrealistas y colores intensos, ¿qué mensaje o sentimiento deseas transmitir con este tipo de visuales? ¿Buscas incomodar para provocar reacciones?

Nunca intento ser perturbador ni causar una reacción, pero parece que algunas personas interpretan parte de mi trabajo de esa manera, lo cual es comprensible. Creo que simplemente disfruto mostrando la belleza dentro de la imperfección. Tampoco me gusta que las cosas se vean o sean demasiado perfectas. Además, no soy muy bueno dibujando o pintando –honestamente, soy bastante malo–, así que es natural que mucho de lo que hago no se vea perfecto ni “agradable”. Creo que esto es solo una parte natural de mi estilo, en lugar de una elección estilística.

El fuego, los ojos y los corazones parecen ser elementos recurrentes en tu obra. ¿Qué significan para ti? ¿Tienen algo que ver con la introspección?

Esa conexión sólo ocurrió cuando empecé a trabajar con Eli. En ese momento estos motivos tenían sentido y encajaban con los temas de su música. Por ejemplo, la portada de Emori la hice antes de escuchar la última canción del álbum, “New Level”, que terminó representándola de alguna manera. Con el tiempo, se ha convertido de forma natural en la identidad visual de Eli y en mi estilo, lo que nos hizo destacar visualmente.

La gente suele mencionar los ojos que diseñé cuando me hablan de sus referencias artísticas favoritas, hasta que personalmente suelo ver estos proyectos en moodboards y en Pinterest. Incluso, líneas de ropa han copiado esos elementos del arte que hicimos juntos. Es bastante humillante saber que, sin darnos cuenta, creamos algo influyente. Así que confío en mí mismo cuando estos elementos recurrentes surgen en mi arte.

Colaboras estrechamente con Eli Sostre. ¿Cómo sucedió esta colaboración?

En 2014 o 2015, empecé como productor gracias a Amir Obè –un productor discográfico y compositor estadounidense– quien trabajaba con alguien en contacto con Eli Sostre. [WU2] Inmediatamente sentí que la música de Eli tenía una estética sonora en resonancia con el arte que creaba. Así que lo seguí en Instagram cuando tenía solo 900 seguidores. Aunque no tenía arte publicado, excepto un póster para una fiesta que organizaba con amigos en un club local, Eli me contactó y me dijo que estaba trabajando en un proyecto llamado Still Up All Night. El resto es historia.

Foto: anverso de "EMORI" de Eli Sostre

¿Cuál es tu proceso creativo al colaborar con músicos? ¿Hacen una lluvia de ideas juntos, los artistas aportan ideas o una visión? 

Cuando un artista me contactó, la mayoría de las veces, ya tiene una idea básica en mente junto con algunas referencias. A partir de ahí, hacemos una lluvia de ideas para definir una dirección y me dan la libertad creativa para ejecutar la obra dentro de los parámetros acordados. Diez de cada diez veces, el artista me envía la música en la que está trabajando para que yo pueda conectar y traducir el audio en lo visual.

Foto: reverso de "EMORI" de Eli Sostre

A veces, el artista me pide que piense en algo por mi cuenta. Así que depende y varía. Al final del día, es 100% una experiencia colaborativa en ambos sentidos, y todos quedamos satisfechos con el resultado.

Si un artista ya tiene una identidad artística, ¿cómo logras combinar tu arte y visión con la suya? 

Algunos artistas tienen sus propios diseñadores gráficos o directores creativos, así que en esos casos colaboro con su diseñador. Pero cuando eso sucede, el artista suele contactarme porque cree que podríamos trabajar bien juntos. Es un poco más intimidante porque tiendes a pensar demasiado cómo se dará el proceso. En esos momentos, siempre recuerdo que no me contactarían si no creyeran que funcionaría. Daría como consejo que solo sé tú mismo, adáptate cuando sea necesario y confía en tu instinto como siempre.

Kaypllaje diseña unos patchs para el merch de Sam Wise y su gira "Billionaire Boys Club", fuente: Instagram @kaypllaje

“El artista cada vez me envía la música en la que está trabajando para que yo pueda conectar y traducir el audio en lo visual” - Kaypllje.

¿Qué tan importante consideras que son las portadas de álbumes vibrantes e impactantes en la industria musical? En un mundo donde se consume música digitalmente, ¿crees que la identidad visual de un álbum sigue jugando un papel significativo en cómo la audiencia lo recibe? 

Sé que siempre las portadas de álbumes serán importantes en la industria musical. Los críticos que dicen que la IA es el futuro, siempre estarán equivocados.[WU3]  Cuidar cómo presentas tu álbum, tu producto, tu línea de ropa, tu marca, si tiene que ver con cualquier forma de diseño, deberías controlarlo y preocuparte por él. Hay álbumes que no se pueden escuchar por la calidad de las ilustraciones. No porque la música sea mala, sino porque la primera impresión de lo que estás viendo no atrae a la gente. El esquema está establecido desde décadas y es seguido por todos los artistas exitosos.

En su caso, The Weeknd tiene a Ben Swantek, Lamar Taylor, Dropxlife y otros creativos como Kalen Holloman con los que ha colaborado. Si no les importara cómo se presentaba su música, nunca sería elogiado con el estándar de alabanza que tiene hoy. Y además no es necesario una portada al nivel de Dangerous de Michael Jackson, solo necesitas consideración y respeto respecto al visual. En resumen, si no te importa cómo presentas visualmente tu música, no puedes llamarte artista.

¿Crees que una portada de álbum puede profundizar la conexión emocional del oyente con la música?

Absolutamente. Una portada de álbum servirá siempre a profundizar la conexión emocional del oyente con la música,  incluso si no se da cuenta.  En el caso de Charli XCX, mientras que su portada es muy simple: un fondo verde con la palabra “BRAT” en negro; es hoy imposible diferenciarla del color verde neón o de la expresión Brat Summer.

Foto: Portada de "Brat" de Charli XCX

En Instagram, te etiquetas como “fantasma”. ¿Qué significa eso? ¿Refleja tu deseo de anonimato, privacidad o algo más simbólico? 

Es definitivamente una especie de metáfora divertida para mi privacidad. No intento ser anónimo, y un famoso tampoco. Probablemente que es un hábito de mis días de grafiti de presentarme faceless [“sin tener rostro”]. Hago mi trabajo, lo publicó y dejo que viva en la red, mientras trato de vivir en el mundo real. También, soy conocido entre mis amigos por desaparecer y hacerme ghosting cuando es momento de trabajar, de ahí viene mi reputación de “fantasma profesional”.

Fundaste Ghostland Corporation. ¿Puedes contarnos más sobre tus ambiciones para eso? ¿Tienes otros proyectos futuros? 

Trabajó durante mucho tiempo respecto a Ghostland Corporation. Una entidad donde puedo experimentar, hacer lo que me apasiona, dirigir videos para los artistas que quiero, organizar los eventos que deseo, exhibir algunos de los trabajos que he hecho y, eventualmente, abrir un espacio físico y construir una pequeña comunidad de fantasmas afines. ¡Un Ghostland!.

Ahora mismo me enfoca en el diseño de ropa que me gusta y la lanzaré cuando siento que estará lista. Diseñé un montón de mercancía y productos para varios artistas y marcas, así es mi turno de crear para mí y construir mi propio mundo.

Entrevista realizada por Méline Vert en inglés, integralmente traducida en español.